Seit den frühen kunstliterarischen Aufarbeitungen der druckgraphischen Kunst steht die grundsätzliche Frage im Raum, was die Druckgraphik letztendlich sei. Dies ist für das Schrifttum der vor-akademischen beziehungsweise der früh-akademischen Zeitperiode alles andere als ein einfacher Problemgegenstand, angesichts einer Kunstgattung, die aus drei tragenden Elementen besteht: der Druckplatte, dem Druckverfahren und dem Druckbild. Die Traktate des 16. und 17. Jahrhunderts bieten daher eine Vielfalt an divergierenden Aussagen und Auslegungen der druckgraphischen Kunst, die sich zum einen als oszillierender Blick zwischen der Kunst des Schnittes oder des Grabstichels auf der Druckplatte und ihrer Erscheinung auf dem Druckblatt summieren lässt, und sich zum anderen der Vorherrschaft der wettstreitenden Hauptgattungen Malerei und Skulptur fügen muss.
Das Buch präsentiert in einer Analyse der prominenten Kunstliteratur der Frühen Neuzeit, wie etwa Vasaris Vite (1550/68), Van Manders Schilder-Boeck (1604) oder André Félibiens Entretiens (1666–88), eine Auswahl dieser Besprechungen und Auseinandersetzungen mit der druckgraphischen Kunst und richtet den Blick insbesondere auf ihre grundlegenden Elemente Druckplatte, Druckverfahren und Druckbild. Die Fragen nach der Zugehörigkeit zu anderen Gattungen oder nach der Eigenständigkeit der Druckgraphik sind hierbei die zentralen Aspekte, die in der Besprechung der spezifischen druckgraphischen Bildsprachen bei Lucas van Leyden, Domenico Beccafumi und Rembrandt van Rijn vertieft werden.
Die Definitionen und Definitionsversuche sind jedoch nicht der alleinige Gegenstand der kunsttheoretischen Erfassung der Druckgraphik in der Frühen Neuzeit. Zu den Ergebnissen der Untersuchungen, die in diesem Buch vorgestellt werden, zählt vor allen Dingen die Einsicht, dass die Theorie der Druckgraphik eng mit den grundlegenden Fragen der bildenden Kunst verstrickt ist, insbesondere mit den Konzepten der inventio und imitatio, die wiederum einen Einblick in den vorherrschenden Umgang der Kunstliteratur mit der Funktion der Reproduktion und in den tatsächlichen Umgang mit autoreigenen und reproduzierenden Druckbildern gewähren. Das Buch bietet damit einen umfassenden Überblick über das faktische Verständnis der Druckgraphik im Schrifttum zur Kunst der Frühen Neuzeit.
Das Buch stellt Ergebnisse des DFG-Projekts Kunsttheorie der Graphik vor, das an der Philipps Universität Marburg und am Kunsthistorischen Institut in Florenz realisiert wurde.
Aktualisiert: 2023-06-15
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• 130 Handzeichnungen und Druckgrafiken
• Zentrales Referenzwerk für die Dürer-Rezeption
• Einzigartiger Bestand von kolorierten Dürer-Drucken
Aktualisiert: 2023-06-13
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Aktualisiert: 2023-06-12
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Am 16. Juni 2023 wird der amerikanische Künstler Jim Dine 88 Jahre alt. Kaum vorstellbar, denn er wirkt deutlich jünger und strotzt vor kreativer Schaffenskraft. Im Alter von 16 Jahren hatte Dine sein erstes Kunstwerk geschaffen: eine Druckgrafik – eine seiner wichtigsten künstlerischen Ausdrucksformen. Er gilt als Mitbegründer der Pop Art und ist bis heute einer ihrer berühmtesten Vertreter. Dine hat es in vielen künstlerischen Bereichen zur Meisterschaft gebracht: Druckgrafik, Zeichnung, Malerei, Skulptur, Prosa und Lyrik, Performance und – für Jim Dines ebenfalls ein besonders wichtiges Medium – dem Buch. Gedruckte Bücher sind in Dines Werk nicht allein begleitende Ausstellungskataloge oder gelegentliche Nebenprodukte. Seine Bücher sind eigene Kunstwerke, Multiples, in Format, Ausstattung, Gestaltung jeweils verschieden und immer in sich besonders. Mit Storm of Memory macht Jim Dine nun sich selbst und uns allen ein solch besonderes Geschenk zu seinem 88. Geburtstag: eine Werkschau, ein spannender Einblick in alle Bereiche seines umfangreichen Schaffens, mit Begleittexten, die Aufschluss über diese einzigartige künstlerische Biographie geben.
Ausstellung: 17. Juni bis 17. September 2023
im Kunsthaus Göttingen
Aktualisiert: 2023-06-13
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• 130 Handzeichnungen und Druckgrafiken
• Zentrales Referenzwerk für die Dürer-Rezeption
• Einzigartiger Bestand von kolorierten Dürer-Drucken
Aktualisiert: 2023-06-12
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• 130 Handzeichnungen und Druckgrafiken
• Zentrales Referenzwerk für die Dürer-Rezeption
• Einzigartiger Bestand von kolorierten Dürer-Drucken
Aktualisiert: 2023-06-11
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Die Deutsche Bank hat den »Künstler des Jahres« 2015 bekannt gegeben: Der Japaner Koki Tanaka ist der sechste internationale Künstler, der mit dieser Auszeichnung geehrt wird. Der renommierte chinesische Kurator Hou Hanru, Direktor des MAXXI in Rom, erläutert die Wahl so: »Als weltweit agierender Künstler mobilisiert Tanaka auf kluge Weise kollektive Aktionen. Er ermutigt die Mitwirkenden, sich auszutauschen, Gemeinschaftssinn und Kreativität zu entwickeln, wobei zugleich neue Regeln des Verhandelns und der Zusammenarbeit erprobt werden.« Koki Tanaka (*1975 in Tochigi, Japan) wurde durch Installationen und Aktionen bekannt, bei denen er Alltagsgegenstände und vor Ort gefundenes Material einsetzt. Ein wichtiger Bestandteil seiner Arbeit sind partizipative Projekte, für die er Akteure oder Ausstellungsbesucher mit einbezieht. 2013 bespielte er den Japanischen Pavillon auf der 55. Biennale in Venedig. Mit einfachen Versuchsanordnungen zeigte er dort, was für eine Herausforderung Kollaborationen sein können.Ausstellung/Exhibition: Deutsche Bank KunstHalle, Berlin 26.3.–25.5.2015
Aktualisiert: 2023-06-09
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• 130 Handzeichnungen und Druckgrafiken
• Zentrales Referenzwerk für die Dürer-Rezeption
• Einzigartiger Bestand von kolorierten Dürer-Drucken
Aktualisiert: 2023-06-10
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Die Porträts von Chuck Close weisen seit den 1960er Jahren eine große Affinität zum Technischen auf: Seine seriellen Bildverfahren führen eine systematische Aneignung und Reflexion technischer Prinzipien mit malerischen Mitteln vor, die eine Zuordnung zum Fotorealismus widerlegen. Dieser technoide Grundzug reicht von der extremen Annäherung an die Fotografie bis zu quasi-digitalen Formen, die sich vor dem Hintergrund ihrer Zeit begreifen lassen. Sie antizipieren aber zugleich die technologisch veränderte Bildkultur und das Menschenbild der Gegenwart. Ce Christina Jian zeigt, dass Closes Werk für die Frage, wie Malerei auf neue Bildmedien reagieren kann, ohne ihren Eigenwert einzubüßen, nichts an Aktualität verloren hat.
Aktualisiert: 2023-06-09
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Welche Denkprozesse und Dialoge können Fotos, Installationen oder Skulpturen initiieren? Welche Assoziationen löst das Aquarell einer sezierten Plastikblume bei einem Philosophen aus? Was verbindet ein Theologe mit einer Druckgrafikserie von Lebensmittel-Unterflächen? Und mit welchen Theorien verknüpft eine Kulturwissenschaftlerin ein Video-Projekt über das kriegserschütterte Sarajevo?
Neunzehn medial wie inhaltlich ganz unterschiedliche künstlerische Positionen regen zu Diskussionen darüber an, was Gegenwartskunst zu jahrtausendealten, genauso aber zu hoch aktuellen Fragen beitragen kann.
Der Text-Bild-Band zeigt, wie bildende Künstler_innen und Theoretiker_innen verschiedener Disziplinen oft dieselben Themen umkreisen. Das Aufeinandertreffen von Kunst und Wissenschaft bildet ein inspirierendes Gefüge aus Beobachtungen und Reflexionen.
Aktualisiert: 2023-06-09
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Die Porträts von Chuck Close weisen seit den 1960er Jahren eine große Affinität zum Technischen auf: Seine seriellen Bildverfahren führen eine systematische Aneignung und Reflexion technischer Prinzipien mit malerischen Mitteln vor, die eine Zuordnung zum Fotorealismus widerlegen. Dieser technoide Grundzug reicht von der extremen Annäherung an die Fotografie bis zu quasi-digitalen Formen, die sich vor dem Hintergrund ihrer Zeit begreifen lassen. Sie antizipieren aber zugleich die technologisch veränderte Bildkultur und das Menschenbild der Gegenwart. Ce Christina Jian zeigt, dass Closes Werk für die Frage, wie Malerei auf neue Bildmedien reagieren kann, ohne ihren Eigenwert einzubüßen, nichts an Aktualität verloren hat.
Aktualisiert: 2023-06-09
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Welche Denkprozesse und Dialoge können Fotos, Installationen oder Skulpturen initiieren? Welche Assoziationen löst das Aquarell einer sezierten Plastikblume bei einem Philosophen aus? Was verbindet ein Theologe mit einer Druckgrafikserie von Lebensmittel-Unterflächen? Und mit welchen Theorien verknüpft eine Kulturwissenschaftlerin ein Video-Projekt über das kriegserschütterte Sarajevo?
Neunzehn medial wie inhaltlich ganz unterschiedliche künstlerische Positionen regen zu Diskussionen darüber an, was Gegenwartskunst zu jahrtausendealten, genauso aber zu hoch aktuellen Fragen beitragen kann.
Der Text-Bild-Band zeigt, wie bildende Künstler_innen und Theoretiker_innen verschiedener Disziplinen oft dieselben Themen umkreisen. Das Aufeinandertreffen von Kunst und Wissenschaft bildet ein inspirierendes Gefüge aus Beobachtungen und Reflexionen.
Aktualisiert: 2023-06-09
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Die Sammlung von Handzeichnungen und Druckgrafiken Albrecht Dürers im Berliner Kupferstichkabinett zählt zu den bedeutendsten weltweit. Anhand von 130 Arbeiten, darunter Meisterwerke wie die Apokalypse oder das Porträt von Dürers Mutter, wird nun die wechselvolle Geschichte der Sammlung selbst vorgestellt: von den Anfängen des Berliner Kabinetts 1831, über Gründerzeit und Nationalsozialismus bis zur Teilung der Bestände und ihrer Wiedervereinigung 1994. Der Katalog beleuchtet die kulturhistorische Bedeutung der Inszenierung Dürers für nationale Identitätsbildung und einen »Dürer-Skandal« 1871, der im Gründungsjahr des Deutschen Kaiserreiches eine der ersten akademischen Zuschreibungskontroversen der deutschen Kunstgeschichte auslöste. Durch spektakuläre Erwerbungen, die die Sammlung des Kupferstichkabinetts in ihren heutigen Weltrang katapultieren, gelang es, sie zu rehabilitieren, Dürers Werk für die Forschung zu erschließen und Meilensteine der Kunstreproduktion zu setzen. Dieser Katalog erlaubt Einblicke in Berlins behütete Schatzkammer.
ALBRECHT DÜRER (1471–1528, Nürnberg) ist einer der bedeutendsten Künstler aller Zeiten im deutschen Sprachraum. Er lebte an der Zeitenwende von Spätgotik zu Renaissance und prägte beide Epochen maßgeblich: die Spätgotik als innovativer Vollender, die Renaissance als neugieriger, kreativer und prägender Mitgestalter. Zu seinem umfangreichen Werk gehören mehr als 100 Stiche, ca. 250 Holzschnitte und mehr als 1000 Zeichnungen.
Aktualisiert: 2023-06-06
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Der Autor der Monografie GRENZERFAHRUNG – Fluchtziel Europa, der deutsch-brasilianische Künstler Andreas Gleich, arbeitet seit vierzig Jahren als Bildender Künstler in den Bereichen Fotografie, Malerei, Grafik und Bildhauerei. Gleichzeitig entstanden in dieser Zeit aber auch viele konzeptionelle Arbeiten im experimentellen Kunstbereich. Die Künstlermonografie GRENZERFAHRUNG – Fluchtziel Europa will diesen Teil des CEuvres, das konzeptionelle Werk des Künstlers, in einem Werkbuch zusammenfassen. Der Schwerpunkt der Monografie liegt hierbei auf dem Kunstprojekt »Flucht und Migration«.
Das Werkbuch »GRENZERFAHRUNG - Fluchtziel Europa. Eine Künstlermonografie« ist somit die künstlerische Auseinandersetzung mit dem Thema Freiheit. Denn wer flieht oder migriert, versucht der Dystopie eines von Hunger, Armut, Unterdrückung, Ausgrenzung, Gewalt und Krieg bestimmten, unfreien Lebens zu entkommen.
Die Künstlermonografie GRENZERFAHRUNG setzt sich aus dem Material von über dreißig Jahren Projektarbeit zusammen. Das heißt aus Notizen und Fotografien, die im Verlauf meiner Reisen zum Thema entstanden sind, sowie aus konzeptionellen Arbeiten im Kunstbereich, deren Entstehung vor allem der künstlerischen Auseinandersetzung mit dem Thema als auch den Reiseerlebnissen, Notizen und Fotografien geschuldet ist.
Im Mittelpunkt der Projektarbeit steht der Mensch als Flüchtling. Sowie die Europäische Union als Wertegemeinschaft. Angesichts der zahlreichen Pushbacks von Flüchtlingen sowie der vielen weiteren Verletzungen von Freiheits- und Menschenrechten an den Außengrenzen Europas stellt sich die Frage, ob diese schweren Rechtsverletzungen insgesamt folgenlos für unser Wertesystem bleiben oder ob sie zu einer Deformation des ethisch-moralischen Rückgrats und damit zu einer tiefgreifenden Veränderung Europas und der EU führen werden.
Andreas Gleich 2023
Aktualisiert: 2023-06-08
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Marcel Broodthaers und seine Auseinandersetzung mit der Institution Museum
Aktualisiert: 2023-06-08
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Schon im späten 19. Jahrhundert wurde Paris zu einem Zentrum für die Produktion von Druckgrafik: Künstler wie Henri de Toulouse-Lautrec, Jules Chéret oder Théophile-Alexandre Steinlen schufen hier Druckgrafiken und Originalplakate, die von den Zeitgenossen begeistert aufgenommen und mit Leidenschaft gesammelt wurden. Daran anknüpfend entwickelte sich Paris im 20. Jahrhundert rasch zu einem Mekka für die Produktion von Künstlerbüchern mit Originalgrafik.
Pierre Bonnard, Pablo Picasso, Max Ernst, Marc Chagall, Henri Matisse, Joan Miró, Henry Moore oder Jean Dubuffet realisierten in Paris originalgrafische Werke, mit denen sie ein breiteres Publikum als mit Gemälden erreichen konnten. So entstanden Meisterwerke, die heute zu den Klassikern des Künstlerbuchs gehören. Neben Druckern wie Fernand Mourlot hatten auch Verleger wie Ambroise Vollard, Tériade oder Aimé Maeght einen wichtigen Anteil am Zustandekommen dieser Werke.
Basierend auf der Sammlung des Museum Folkwang stellt der Katalog herausragende Künstlerbücher und Mappenwerke aus Paris vom frühen 20. Jahrhundert bis in die Gegenwart vor, darunter Jazz von Henri Matisse, die Tauromaquia von Pablo Picasso, A toute épreuve von Joan Miró oder die Radierungen Marc Chagalls zur hebräischen Bibel. Ausgewählte Beispiele beleuchten die Vorgeschichte im 19. Jahrhundert ebenso wie die jüngere und jüngste Produktion, darunter Arbeiten von Jim Dine und David Lynch, der neben seinem filmischen auch ein reiches druckgrafisches Oeuvre geschaffen hat.
Ausstellung: 1. September 2023 bis 7. Januar 2024 im Museum Folkwang
Aktualisiert: 2023-06-05
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Zwischen 1515 und 1616 erlebten die Niederlande stürmische Zeiten. Humanisten wie Erasmus von Rotterdam und Künstler wie Pieter Bruegel der Ältere und Hendrick Goltzius führten die Renaissance im Norden zu ihrem Höhepunkt. Zeitgleich löste die protestantische Reformation vehemente religiöse Konflikte aus. Der Aufstand gegen die »spanische Tyrannei« Philipps II. und seiner Regierung und der damit einhergehende achtzigjährige Unabhängigkeitskrieg erschütterten die Niederlande in der zweiten Hälfte des 16. Jahrhunderts zutiefst. Daraus ging die niederländische Republik hervor und es begann das »Goldene Zeitalter«.
Sturm der Bilder kommentiert die Druckgraphik aus dieser bewegten Zeit, die nicht zuletzt einen ikonoklastischen Bildersturm zu verkraften hatte. Die interdisziplinär angelegten Essays und der innovative Katalog erkunden und interpretieren Leben und Werk von herausragenden Pamphletisten, Poeten, Künstlern und Kupferstechern wie Lucas van Leyden, Dirck Volckertsz Coornhert, Maarten van Heemskerck, Frans Floris, Pieter Bruegel dem Älteren, Willem van Haecht und Hendrick Goltzius.
Aktualisiert: 2023-06-06
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Die Sammlung von Handzeichnungen und Druckgrafiken Albrecht Dürers im Berliner Kupferstichkabinett zählt zu den bedeutendsten weltweit. Anhand von 130 Arbeiten, darunter Meisterwerke wie die Apokalypse oder das Porträt von Dürers Mutter, wird nun die wechselvolle Geschichte der Sammlung selbst vorgestellt: von den Anfängen des Berliner Kabinetts 1831, über Gründerzeit und Nationalsozialismus bis zur Teilung der Bestände und ihrer Wiedervereinigung 1994. Der Katalog beleuchtet die kulturhistorische Bedeutung der Inszenierung Dürers für nationale Identitätsbildung und einen »Dürer-Skandal« 1871, der im Gründungsjahr des Deutschen Kaiserreiches eine der ersten akademischen Zuschreibungskontroversen der deutschen Kunstgeschichte auslöste. Durch spektakuläre Erwerbungen, die die Sammlung des Kupferstichkabinetts in ihren heutigen Weltrang katapultieren, gelang es, sie zu rehabilitieren, Dürers Werk für die Forschung zu erschließen und Meilensteine der Kunstreproduktion zu setzen. Dieser Katalog erlaubt Einblicke in Berlins behütete Schatzkammer.
ALBRECHT DÜRER (1471–1528, Nürnberg) ist einer der bedeutendsten Künstler aller Zeiten im deutschen Sprachraum. Er lebte an der Zeitenwende von Spätgotik zu Renaissance und prägte beide Epochen maßgeblich: die Spätgotik als innovativer Vollender, die Renaissance als neugieriger, kreativer und prägender Mitgestalter. Zu seinem umfangreichen Werk gehören mehr als 100 Stiche, ca. 250 Holzschnitte und mehr als 1000 Zeichnungen.
Aktualisiert: 2023-06-06
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• Bekanntester Maler der deutschen Renaissance
• Cranach-Ausstellung in Wien
• Dritter Band der A–Z-Reihe
Aktualisiert: 2023-06-07
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Aktualisiert: 2023-06-06
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