Keine Zeit! Wir ahnen es von Anfang an: DIESER ABEND im Deutschen Theater zu Berlin hat keine Sekunde zu vergeuden. Wenige Stunden nur sind es, die Lessing in seinem Trauerspiel unter die Lupe nimmt. Doch sie reichen aus, um das Leben des grundanständigen Bürgermädchens Emilia Galotti zu vernichten. Auch sie ist ein Opfer ihrer Zeit, ein Opfer aristokratischer Willkür, die sich um Gefühle und Befindlichkeiten des Einzelnen nicht schert, es sei denn, er ist ein Angehöriger des Adels. Der nimmt sich, was er will, ohne Rücksicht auf Verluste. Michael Thalheimer schneidet Lessings wortreicher, höfisch-bürgerlicher Räuberpistole den Klassiker-Bart ab, indem er seinerseits an der Zeitschraube dreht. Dabei greift er jedoch nicht nach platten Methoden der Aktualisierung. Seine Protagonisten sind Graf, Intrigant oder Bürgermädchen im alten Gewand, aber sie sprechen wie auf Koks. Beinah ausdruckslos rattern sie sich ihre Texte um die Ohren und lassen keinen Zweifel daran, dass hier das einzelne Wort selten auf die Goldwaage gelegt wird. Es sind Dialoge, die eher einem Feuergefecht gleichen denn einer rhetorisch-psychologisch ausbalancierten Bühnen-Konversation. Warum macht er das, dieser Regiestar des neuen Jahrhunderts, der zusammen mit seinem Bühnenbildner Olaf Altmann mit dieser Inszenierung den ersten Höhepunkt einer anhaltenden Serie gefeierter Inszenierungen lieferte? Es ist nicht allein die Leichtigkeit, die uns an diesem Theaterabend über die Grenzen einer Stadttheater-üblichen Klassikerdeutung hinaus trägt. Es ist der beinahe choreographisch anmutende Gesamtentwurf des Bühnengeschehens, der den Zuschauer gefangen nimmt. Thalheimer spielt mit seinen Figuren Sekundenschach. Er entwirft eine künstliche Mechanik der Auf- und Abtritte, von Rede und Gegenrede, aus treibender Musik und Stille, die sich zu einem verhängnisvollen System verbinden, in dem der einzelne keine Chance hat. Er nimmt seine Emilia und alle, die um sie herum ihr gutes oder böses Spiel treiben, in den Würgegriff und das Publikum gleich mit dazu. Die Laufsteg-Ästhetik und die Fluchtpunkt-Perspektive des Bühnenbildes tun ein Übriges, diesen Abend künstlich aufzuladen und zuzuspitzen. Eine Inszenierung wie ein Messerstich: schnell, scharf und tödlich. (Bonus: Interviews mit Nina Hoss und Michael Thalheimer)
Aktualisiert: 2023-03-30
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Eine junge Ausreißerin aus der Provinz landet in Berlin. In der U-Bahn-Linie 1 begegnet ihr ein Kaleidoskop großstädtischer Typen und Schicksale. Mit ihrer Naivität wirkt das Mädchen wie ein Katalysator, provoziert Kontakte, Reaktionen und Handlungen, die
ohne sie nie geschehen würden. Eine Show, ein Drama, ein Musical über Leben und Überleben in der Großstadt, über Hoffnung und Anpassung, Mut und Selbstbetrug, zum Lachen und Weinen, zum Träumen – und zum Nachdenken über sich selbst. Linie 1 ist nicht nur der größte Erfolg, den ein deutsches Musical je hatte; es war über Jahre das meistinszenierte, meistaufgeführte und meistbesuchte Theaterstück im deutschsprachigen Theaterraum und macht Volker Ludwig zum meistgespielten Autor nach Shakespeare, Brecht und Molière. Gastspiele des Musicals Linie 1 erfolgten bisher in zahlreichen Ländern Europas, in USA, Russland, Indien, Süd-Korea, China, Kanada, Brasilien, Mosambik, Namibia, Jemen.
Aktualisiert: 2023-03-30
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PEER GYNT ist ein poetischer Film über die (Un-)Möglichkeit der Liebe, mit der Kraft eines der großen dramatischen Gedichte der Weltliteratur, inszeniert mit einem großartigen Schauspielerensemble. Regisseur Uwe Janson hat den genialen Ort zur Umsetzung des Stücks auf Usedom gefunden. Er inszeniert eine Reise entlang von Gewässern, in denen sich Peers Phantasie spiegelt. Begegnungen mit bizarren Gestalten fungieren als Weichensteller für die weiteren Verzweigungen von Peers Lebensweg, geben den Blick frei auf seine inneren Tumulte und die zahlreichen Persönlichkeiten, die ihm innewohnen. Peer Gynt wird auch als „Faust des Nordens“ bezeichnet, dem Mephisto offensichtlich in der ruhelosen Seele sitzt. Bonus: Abgeschminkt - Interview mit Ulrich Mühe
Aktualisiert: 2023-03-30
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Von allen Totentänzen des Theaters ist derjenige des König Lear das Virtuosenstück. Die heitere Melancholie des Alters macht den Firnis aus, der jedweder Inszenierung des klassischen Königsdramas ihren Gehalt verleiht.
In der vorliegenden Inszenierung treffen Zwei aufeinander, die schon früher bewiesen haben, dass sie dem Leben eine Menge abgeschaut haben: Luc Bondy und Gert Voss, Granden des Regie- und Schauspieltheaters, Übriggebliebene des letzten, des großen Theaterjahrhunderts. Auf der Bühne des Burgtheaters zu Wien feiern sie ihren „Lear“. Umtanzt von einem Narren mit Berliner Rotze am Kittel, Birgit Minichmayr als kongenialem humorvollen Dichterfisch, holt Voss aus zum letzten Gefecht, spielt das große, das tastenreiche Instrument seiner Schauspielkunst aus und gewinnt das Spiel, in dem er vorführt, verlieren zu müssen, wie wir kleinen Menschen in den Publikumssesseln es auch alle tun werden: Wir verlieren das Leben, wenn wir die Liebe verlieren.
Mit „König Lear“ widmet sich die Theateredition nach zwei Theaterfilmen wieder der Aufnahme einer Bühneninszenierung, die 2007 im Wiener Burgtheater in der Fernsehregie von Peter Schönhofer entstanden ist: die dichte, hoch aufgelöste Beobachtung einer fein gewirkten Inszenierung. Bonus: Abgeschminkt: Gert Voss im Interview
Aktualisiert: 2023-03-30
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15 ehemalige Häftlinge aus den Stasi-Gefängnissen in Potsdam und Berlin-Hohenschönhausen berichten von ihren Erfahrungen vor, während und nach der Haft. Sie erzählen von Spitzeln, Vernehmern und von falschen Freunden. Sie erinnern sich an Unterdrückungsmechanismen und an Überlebensstrategien.
Aktualisiert: 2023-03-30
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Selten hat man beim Thema "Integrationsdebatte" so gelacht: Eine überforderte Lehrerin steht vor einer Klasse renitenter Schüler mit Migrationshintergrund und versucht ihnen vergebens Friedrich Schiller nahe zu bringen. Dann fällt ihr bei einer Rangelei eine Waffe in die Hand und sie nimmt ihre Schüler als Geiseln. Mit vorgehaltener Waffe zwingt sie sie ordentlich Schiller zu sprechen und will ihnen ausgerechnet mit Gewalt die Ideale der Aufklärung eintrichtern.
Aktualisiert: 2023-03-30
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"Die ganze Welt ist eine Bühne" – von Shakespeare selbst stammt dieser Satz, der als Überschrift für sein Gesamtwerk gelten könnte. Und als Überschrift für unsere Zeit. Genau darum, um die Bühnenhaftigkeit der Liebe und des Seins, geht es in Jan Bosses Erfolgsinszenierung der Shakespeare-Komödie "Viel Lärm um Nichts". Mit einem glänzend aufgelegten Star-Ensemble unternimmt er auf der großen Bühne des Wiener Burgtheaters hellwach und heiter den Versuch, uns irgendwie – und weil es anders ja auch nicht geht – mit dieser Welt des schönen Scheins zu versöhnen. Zwei Paare, die verschiedener nicht sein könnten, werden einander gegenüber gestellt: Auf der einen Seite Claudio und Hero, die lieber heute als morgen heiraten wollen, obwohl sie sich kaum kennen und durch die Intrigen des bösartigen Don John daran gehindert werden. Auf der anderen Seite das Paar Beatrice und Benedict, die geschworen haben, sich niemals und unter keinen Umständen mit dem anderen Geschlecht einzulassen, aber schließlich doch heiraten. Für Regisseur Bosse spielt die Geschichte um die ersten überzeugten Singles der Theatergeschichte in der Welt einer Pseudo-Idylle. Die Kulisse der Traum-Hochzeit verbirgt nur mühsam die Leere des "Nichts". Eine künstliche Welt der Oberfläche, des Scheins und der Illusion, nur zur Triebabfuhr geschaffen für eine Gesellschaft, die am liebsten von sich selbst Urlaub machen würde. Liebe zuzulassen fällt hier schwerer, als man denkt oder einen das Theater glauben machen will. Doch darf sich der Zuschauer daran erfreuen, wie der größte Dramatiker der Weltliteratur Menschen skizziert, wahre Verbal-Eroten, deren Fetische der Witz und die eigene Schlagfertigkeit sind. Vor Selbstverliebtheit blasen sie ihr Ego so weit auf, dass das wahre Objekt der Leidenschaft fast aus ihrem Blickfeld gerät. Am Ende der Komödie siegt die Welt des verwirrenden Scheins, in der sich Humor, harmlose Torheit und Liebe nur als Strategien entpuppen, ohne die das Überleben in dieser Gesellschaft der verschlagenen Täuschung schlicht unmöglich wäre.
Aktualisiert: 2020-05-29
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"Hiob", Joseph Roths berühmtester Roman, ist eine Familiensaga, beginnend in der Zeit vor dem Ersten Weltkrieg. Mendel Singers ältester Sohn folgt bereitwillig der Einberufung zum russischen Militär, der jüngere desertiert, wird von Schleusern und Schleppern außer Landes gebracht und wandert nach Amerika aus. Um die Tochter, die sich allzu leichtfertig mit Kosaken einlässt, von solchem Umgang fern zu halten, folgt die Familie dem inzwischen erfolgreichen Sohn nach New York und lässt Menuchim, das behinderte jüngste Kind, zurück. Angekommen in der Neuen Welt, ereilt die Familie Schlag auf Schlag neues Unglück: Der eine Sohn fällt im Krieg, der andere gilt als vermisst, die Mutter stirbt aus Verzweiflung, die Tochter wird wahnsinnig. In einem zornigen Aufbegehren gegen Gott sagt sich Mendel Singer von seinem Glauben los. Doch dann kommt es zu einer wundersamen Wendung: Der zurückgelassene Sohn kommt gesund und als begnadeter Musiker und Dirigent nach New York und schließt seinen alten Vater in die Arme. Und Mendel "ruhte aus von der Schwere des Glücks und der Größe der Wunder". Mit dem Wissen darüber, wie die Geschichte des 20. Jahrhunderts weiterging, ist es ein Glück zum Verzweifeln. Der niederländische Regisseur Johan Simons, der ab 2010 die Intendanz der Münchner Kammerspiele übernimmt, hat "Hiob" in einer Bearbeitung von Koen Tachelet auf die Bühne der Kammerspiele gebracht. Die Schauspieler bringen in Simons’ bestechend kluger Arbeit den Überdruck unleidlicher Verhältnisse in den jeweils knappst möglichen Haltungen und Gesten zum Ausdruck. André Jung als Mendel macht den Abdruck sichtbar, den unfassbare Schicksalsschläge auf der Seele eines Menschen hinterlassen - und steht damit exemplarisch für das Leiden der gesamten Menschheit. Bonus: Abgeschminkt - Andre Jung (15 min)
Aktualisiert: 2023-03-30
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'Ab heute heißt du Sara!', sagt ein Polizeibeamter 1938 zu der 16-jährigen Inge und stempelt
ein 'J' in ihren Ausweis – 'J' wie Jude. Von nun an ändert sich alles im Leben der selbstbewussten
Berlinerin. Inge und ihre Mutter sind, wie alle Juden, der Ächtung und Verfolgung durch die Nazis ausgeliefert. Um zu überleben, sind sie gezwungen 'unterzutauchen'. Das Stück nach dem autobiographischen Bericht 'Ich trug den gelben Stern' von Inge Deutschkron erzählt von der Angst der Verfolgten, von den Menschen, die Inge und ihrer Mutter geholfen haben und die für sie 'stille Helden' wurden, von einer verlorenen Kindheit und
vom kämpferischen Mut eines jungen Mädchens, das nicht aufgibt. Inge Deutschkron lebt nach langen Jahren in Tel Aviv seit 1989 wieder in Berlin, nicht zuletzt ermutigt durch ihre Erfahrungen mit dem Theaterstück 'Ab heute heißt du Sara'.
Aktualisiert: 2020-05-29
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Durch mechanische Webstühle und billig importierte Baumwolle sind die Arbeitslöhne gefallen, ist die Armut und Arbeitslosigkeit unter den Webern gestiegen. Der Fabrikant Dreißiger will die Löhne noch weiter drücken und hat kein Verständnis für die Klagen seiner Arbeiter. Der Hunger treibt die Weber zur Gegenwehr, die Verzweiflung zur Gewalt. Hauptmanns im schlesischen Dialekt geschriebenes Schauspiel behandelt den Weberaufstand von 1844. Der Autor hat für sein soziales Drama die historischen Quellen studiert, zitiert wortwörtlich und übernimmt den Ablauf des Aufstandes bis ins Detail.
Aktualisiert: 2023-03-30
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Ein Weihnachtsidyll: In ihrem gemütlichen Heim freuen sich der reizende Advokat Helmer, seine entzückende Frau Nora und ihre niedlichen Kinder auf das Fest der Liebe. Doch als ein Erpresser Nora unter Druck setzt und ein Freund der Familie dem Tode nahe ist, fällt auf das familiäre Idyll ein dunkler Schatten. Das „Puppenhaus“ von Nora und Helmer droht von innen heraus zu zerbrechen und unterm Tannenbaum kommt es zu existentiellen Wahrheiten. Henrik Ibsens 1879 uraufgeführtes Schauspiel ist zum einen ein Meisterwerk des naturalistischen Theaters. Zugleich ist es ein raffiniert gestricktes Melodram und ein spannender Thriller.
Aktualisiert: 2023-03-30
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„Die erste große Liebe, Probleme mit den Eltern, Probleme mit der Schule. Es gibt keine Geschichte über Jugendliche, die so zeitlos ist wie die Geschichte um Wendla, Melchior und Moritz in Frühlings Erwachen von Frank Wedekind - über 100 Jahre alt, aber funktioniert sie auch noch heute? Mit diesem Film will ich beweisen, wie viel dieser Klassiker mit der heutigen Lebenswirklichkeit der Jugendlichen zu tun hat und wie sehr diese Geschichte uns Aufschlüsse geben kann, im Umgang mit unserer Jugend - ihren Träumen und ihren Alpträumen, ihren Chancen und ihrem Scheitern“, sagt Nuran David Calis über seine Verfilmung von Frank Wedekinds Theaterstück, das einst wegen angeblicher Obszönität der Zensur zum Opfer fiel. Heute gehört es zum Kanon der Schullektüre in Deutschland und Österreich. Die Verfilmung mit Wilson Gonzalez Ochsenknecht in der Hauptrolle holt das Drama in die Lebenswirklichkeit heutiger Teenager – mit einem bezwingend zeitgemäßen Ergebnis.
Aktualisiert: 2023-03-30
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Ein deutscher Klassiker liefert den Stoff, ein kongenialer Regisseur findet die richtige Form und ein glänzend aufgelegtes Star-Ensemble spielt mit solcher Leidenschaft, dass Friedrich Schiller seine Freude daran gehabt hätte. Mit seiner Verfilmung von "Kabale und Liebe" beweist Leander Haußmann, dass ein klassisches Drama das Zeug zu bester Kinounterhaltung für alle hat.
Bonus: Interview Friedrich Schiller; Dreh/Premierenbericht
Aktualisiert: 2023-03-30
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In einem Spalt, einem Rattengang, stets gebückt und im Halbdunkel lässt er die Menschen in ihrem Elend emotional verglühen. Olaf Altmanns geniales Bühnenbild wirkt wie ein Brennglas und intensiviert den Blick, schärft uns Augen und Ohren für das Geschehen an den Rändern der Gesellschaft, eine Gesellschaft, die es riskiert, die Schwächeren und Schwächsten fallen zu lassen, während die Starken das sinkende Schiff abnagen, bis nichts mehr dran ist. Und welch ein Ensemble steht Regisseur Thalheimer da zur Verfügung! Das Deutsche Theater in Berlin auf dem Höhepunkt seiner Leistungskraft.
Aktualisiert: 2023-03-30
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Goethes „Faust“ in der Inszenierung von Peter Stein: Erzählt wird mit ebenso liebevoller wie insistierender Genauigkeit die Geschichte eines Menschen, der die Grenzen seines Wissens und seiner Talente erreichen will – und über diese hinaus strebt. Sein stetes Scheitern und die damit einhergehenden Verheerungen, die unermüdlichen Neuanfänge, schließlich sein Tod und die Einbettung seines Sterbens in eine übergreifende Sinnstiftung bilden den dramatischen Bogen der Dichtung. Dieses allumfassende Werk war noch nie in seiner vollständigen Text-Gestalt von einer professionellen Theatertruppe in zeitlicher und örtlicher Einheit gezeigt worden. Im Kulturprogramm der EXPO 2000 Hannover und später dann in Berlin verwirklichte Peter Stein diesen, seinen Traum. Unter den teils staunenden, teils skeptischen Blicken von Publikum und Kritik wagte er die eigentliche Uraufführung des „Faust“. Mit dem kongenialen Bruno Ganz als Titelhelden eroberte das Ensemble das Unspielbare in einem wahrhaft einzigartigen Bühnenmarathon: ein Fest der Sprache! Die vierfache Besetzung der Mephisto-Figur, sowie ein ständiger Wechsel der Schauplätze, die sich das Publikum über die zwei dramatischen Theatertage hinweg selbst erlaufen musste, waren weitere Höhepunkte dieser Inszenierung.
Aktualisiert: 2020-05-29
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Karl und Franz sind Brüder. Franz, der jüngere, hasst Karl. Er neidet ihm das Erbe, das dem Erstgeborenen zusteht, neidet ihm die Liebe des Vaters, die alles verzeiht. Zwei Brüder, ein Problem. Dass Karl und Franz in Wirklichkeit zwei Seiten einer Medaille sind und unter Freiheit immer nur die eigene verstehen, zeigt Nicolas Stemann, der Schillers "Räuber" als Männerrudel inszeniert und eine vierstimmige Brüderhydra auf die Piste schickt, die den Text als orchestrales Sprachwerk zelebriert. Das funktioniert derart elegant, dass aus Schillers Bruderpaar ein einziger Franzkarl und aus den "Räubern" ein Sprechkunstwerk wird. Bonus: Kurzportrait Maren Eggert (10 min), 32-seitiges Booklet
Aktualisiert: 2023-03-30
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1994 holte die legendäre Aufführung in der 'Bar jeder Vernunft' die vermeintlich verstaubte Operette „Im Weißen Rößl am Wolfgangsee“ aus dem Nirwana und brachte dem großen internationalen Bühnenerfolg von 1930 eine kaum für möglich gehaltene Renaissance. In dieser Neubelebung wird das Singspiel so eindrucksvoll werkgetreu zwischen liebevoller Situationskomik und Walzerseligkeit in Szene gesetzt, dass sich nur ein Jahr nach der Aufführung in der 'Bar jeder Vernunft' 42 Bühnen des vergessenen Stoffes annahmen.
Aktualisiert: 2023-03-30
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Baal ist jung, Baal ist hungrig, er verbrennt in Zerrissenheit und der Sucht nach Aufstand, Umbruch, Kontroverse. Ein Schlagabtausch zwischen absoluter Betäubung und übermächtiger Lebendigkeit. Baals absoluten Lebensgier fallen nicht nur Frauen, Mäzene, Kritiker, Bewunderer und sein bester Freund zum Opfer, am Ende trifft es Baal selbst.
Uwe Jansons Verfilmung von Brechts Klassiker ist ein wüster Lobgesang auf die Selbstliebe mit einem kongenialen Matthias Schweighöfer in der Hauptrolle. Bonus: Abgeschminkt - Matthias Schweighöfer (15 min)
Aktualisiert: 2023-03-30
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Was ist ein Klassiker? Die Antwort ist einfach und kompliziert zugleich. Die „Weihe“ zum Klassiker resultiert aus der Nachhaltigkeit und Wertigkeit einer Persönlichkeit oder eines Werkes unabhängig von der Zeit und ihren Moden. Insofern haben wir es bei dieser „Emilia Galotti“-Inszenierung mit einem doppelten Klassiker zu tun. Lessings Ständestaats-Intrige ist ein Vatermord mit umgekehrtem Vorzeichen, eine zeitlos gültige Parabel über die Hoffnungslosigkeit der Liebe im zerstörerischen Räderwerk von Politik und Kabalen vor dem Hintergrund sozialer Ungleichheit. Auch die Inszenierungskunst Andrea Breths steht weit über der zuweilen hektischen Suche nach neuen, oft anpasserischen Formen eines Theaterbetriebs, der sich im Krieg um die Aufmerksamkeit in unserer Informationsgesellschaft zu behaupten sucht. Breth hingegen nimmt sich Zeit und schenkt sie ihrem Publikum – für ein „time out“ von Minuten und Stunden außerhalb von Zeit und Raum jener Alltagswirklichkeit, die uns gelegentlich den Atem zu nehmen droht.
Andrea Breth inszeniert ihren inneren Furor auf der Bühne mit ruhiger Hand, geführt von scharfsichtiger Analyse und einer bis an den Rand des Lebbaren ausufernden Sensibilität. Das macht ihre Arbeiten über den Tag hinaus brisant und nachvollziehbar, selbst dann, wenn die Begegnung mit ihnen für das Publikum Arbeit bedeuten kann.
Aktualisiert: 2023-03-30
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Es ist der leidenschaftlichste, vielleicht auch der gefährlichste Traditionstext deutscher Sprache: "Die Leiden des jungen Werther" machte den damals als Bürgerschreck geltenden jungen Goethe schlagartig in Deutschland bekannt und gilt heute als Schlüsselroman dieser Zeit. Uwe Janson wagte sich mit Stefan Konarske und Hannah Herzsprung und vielen anderen erstklassigen Darstellern an eine zeitgemäße Umsetzung des Klassikers.
Aktualisiert: 2023-03-30
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